Произход и училища на абстрактното изкуство

Абстрактно изкуство (понякога наричано необективното изкуство) е картина или скулптура, която не изобразява човек, място или нещо в природния свят. При абстрактното изкуство темата на работата е това, което виждате: цвят, форми, четки, размер, мащаб, а в някои случаи и самият процес, както в екшън живопис.

Абстрактните художници се стремят да бъдат обективни и непредставителни, което позволява на зрителя да интерпретира значението на всяко произведение по свой начин. Следователно абстрактното изкуство не е преувеличен или изкривен поглед към света, какъвто виждаме в кубистките картини на Пол Сезан (1839–1906) и Пабло Пикасо (1881–1973), тъй като те представляват вид концептуален реализъм. Вместо това формата и цветът се превръщат във фокус и предмет на парчето.

Докато някои хора могат да твърдят, че абстрактното изкуство не изисква техническите умения на изобразителното изкуство, други биха искали да се различават. Това наистина се превърна в един от основните дебати в съвременното изкуство. Като руски абстрактен художник Василий Кандински (1866–1944):

„От всички изкуства абстрактната живопис е най-трудна. Това изисква да знаете как да рисувате добре, да имате повишена чувствителност към композицията и към цветовете и да сте истински поет. Това последно е от съществено значение. "

Художествените историци обикновено определят началото на 20 век като важно исторически момент в историята на абстрактното изкуство. През това време художниците са работили, за да създадат това, което определят като „чисто изкуство“: творчески произведения, които не са основани на визуални възприятия, а на въображението на художника. Влиятелни творби от този период включват „Картина с кръг“ от 1911 г. на Кандински и „Каучук“, създадени от френския художник авангард Франсис Пикабия (1879–1953 г.) през 1909 г.

Корените на абстрактното изкуство обаче могат да бъдат проследени много по-далеч. Художници, свързани с движения като 19-ти век импресионизъм и експресионизмът експериментираха с идеята, че живописта може да улови емоцията и субективността. Не е необходимо просто да се фокусира върху привидно обективни визуални възприятия. Връщайки се още повече, много древни скални рисунки, текстилни шарки и керамични дизайни улавяха символична реалност, а не се опитваха да представят предмети така, както ги виждаме.

Кандински често се счита за един от най-влиятелните абстрактни художници. Гледката за това как стилът му напредва от представителното до чисто абстрактното изкуство през годините е завладяващ поглед върху движението като цяло. Самият Кандински умело обясняваше как абстрактният художник може да използва цвят, за да даде на пръв поглед безсмислена работна цел.

Кандински вярвал, че цветовете провокират емоции. Червеният беше жив и уверен; зелено беше мирно с вътрешна сила; синьото беше дълбоко и свръхестествено; жълтото може да бъде топло, вълнуващо, смущаващо или напълно бонбони; а бялото изглеждаше тихо, но пълно с възможности. Той също така назначи тонове на инструментите, които да отиват с всеки цвят. Червено звучеше като тромпет; зелено звучеше като цигулка на средна позиция; светлосиньо звучеше като флейта; тъмносиньо звучеше като виолончело, жълто звучеше като фен на тромпети; бяло звучеше като паузата в хармонична мелодия.

Тези аналогии със звуците произтичат от признанието на Кандински към музиката, особено към произведенията на съвременния виенски композитор Арнолд Шьонберг (1874–1951). Заглавията на Кандински често се отнасят до цветовете в композицията или към музиката, напр. „Импровизация 28“ и „Състав II“.

Френският художник Робърт Делони (1885–1941) е принадлежал на „Синия конник“ на Кандински (Die Blaue Reiter) група. Със съпругата си, родената в Русия Соня Делоун-Тюрк (1885-1979), двамата гравитират към абстракцията в собственото си движение, Орфизъм или орфически кубизъм.

Днес „абстрактното изкуство“ често е чадър термин, който обхваща широка гама от стилове и художествени движения. Включени сред тях са непредставително изкуство, необективното изкуство, абстрактният експресионизъм, арт информъл (форма на жестово изкуство) и дори някои оп арт (оптично изкуство, отнасящо се до изкуство, което използва оптични илюзии). Абстрактното изкуство може да бъде жестово, геометрично, флуидно или образно - предполага неща, които не са визуални, като емоция, звук или духовност.

Въпреки че сме склонни да свързваме абстрактното изкуство с живопис и скулптура, то може да се прилага за всяка визуална среда, включително сбирка и фотография. И все пак именно художниците получават най-много внимание в това движение. Има много забележителни художници, които представляват различните подходи, които човек може да предприеме към абстрактното изкуство и те са оказали значително влияние върху съвременното изкуство.

• Карло Карра (1881-1966) е италиански художник, известен най-вече с работата си във футуризма, форма на абстрактно изкуство, подчертаваща енергията и бързо променящата се технология от началото на 20 век. През кариерата си той работил в кубизма както и много от неговите картини са абстракции на реалността. Въпреки това неговият манифест, „Живопис на звуци, шумове и миризми“ (1913) повлия на много абстрактни художници. Това обяснява очарованието му от синестезията, сетивен кросоувър, в който например човек „ухае“ на цвят, който е в основата на много абстрактни произведения на изкуството.
• Umberto Boccioni (1882-1916) е друг италиански футурист, който се фокусира върху геометричните форми и е силно повлиян от кубизма. Работата му често изобразява физическо движение, както се вижда в „Държави на ума“ (1911). Тази серия от три картини улавя движението и емоцията на гарата, а не физическото изобразяване на пътниците и влаковете.
• Казимир Малевич (1878-1935) е руски художник, когото мнозина описват като пионер на геометричното абстрактно изкуство. Едно от най-известните му произведения е "Черен площад" (1915 г.). Това е опростено, но абсолютно увлекателно за историците на изкуството, тъй като, като анализ от Тейт споменава, „това е първият път, когато някой е направил картина, която не е от нещо“.
• Джаксън Полок (1912–1956), американски художник, често се дава като идеалното представяне на Абстрактен експресионизъмили екшън живопис. Работата му е повече от капчици и пръски боя върху платно, но напълно жестова и ритмична и често използва много нетрадиционни техники. Например, "Пълна Фатома пет" (1947) е платно с масло, създадено отчасти с подложки, монети, цигари и много други. Някои от работата му, като напр „Имаше седем през осем“ (1945) са огромни, простиращи се на осем фута в ширина.
• Марк Ротко (1903–1970) изведе геометричните резюмета на Малевич на ново ниво на модернизма с цветно поле. Този американски художник се издигна през 40-те години и опрости цвета си в една тема изцяло, предефинирайки абстрактното изкуство за следващото поколение. Негови картини, като напр "Четири Дарк в червено" (1958) и "Оранжево, червено и жълто" (1961 г.), са толкова забележителни за стила си, колкото и за големия си размер.