54 Известни картини, направени от известни художници

Да си известен художник през живота си не е гаранция, че другите художници ще те запомнят. Чували ли сте за френския художник Ърнест Месониер?

Той беше съвременник на Едуар Мане и далеч по-успешният художник по отношение на признанието на критиците и продажбите. И обратното също е вярно, с Винсент ван Гог. Ван Гог разчита на брат си Тео, за да му осигури боя и платно, но днес картините му достигат рекордни цени, когато излязат на търг за изкуство, а той е име на домакинството.

Разглеждането на известни картини от миналото и настоящето може да ви научи на много неща, включително композиция и боравене с боя. Макар че може би най-важният урок е, че в крайна сметка трябва да рисувате за себе си, а не за пазар или потомство.

"Нощна стража" - Рембранд

Картината "Нощна стража" от Рембранд е в Rijksmuseum в Амстердам. Както показва снимката, това е огромна картина: 363x437cm (143x172 ").

Рембранд го завършва през 1642г. Истинското му заглавие е „Компанията на Франс Банинг Кок и Вилем ван Руйтенбърч“, но е по-известна точно като Нощна стража. (Фирма, която е милиционерска охрана).

Съставът на картината е много различен за периода. Вместо да показва фигурите по изряден, подреден начин, където на всички е дадено едно и също място и място на платното, Рембранд ги е нарисувал като заета група в действие.

Около 1715 г. върху „Нощна стража“ е нарисуван щит, съдържащ имената на 18 души, но само някои от имената някога са били идентифицирани. (Така че не забравяйте, ако рисувате групов портрет: нарисувайте диаграма на гърба, за да отидете с имената на всички, така бъдещи поколенията ще знаят!) През март 2009 г. холандският историк Бас Дудок ван Хеел най-накрая разкри тайната кой кой е в живопис. Неговите изследвания дори откриха елементи от облеклото и аксесоарите, изобразени в "Нощна стража", спомената в описите на семейни имения, които след това той събира с възрастта на различните милиционери през 1642 г., годината, в която е картината завършен.

Дудок ван Хел също откри, че в залата, където за първи път е окачена „Нощната стража“ на Рембранд, има шест групи портрети на милиция, първоначално показвани в непрекъсната серия, а не шест отделни картини, както отдавна мисъл. По-скоро шестте групови портрета на Рембранд, Пикеной, Баккер, Ван дер Хелст, Ван Сандрарт и Флинк образуват непрекъснат фриз, всеки съвпадащ с другия и фиксиран в дървената ламперия на стаята. Или това беше намерението. „Нощната стража“ на Рембранд не се вписва с останалите картини нито в композиция, нито в цвят. Изглежда Рембранд не се е придържал към условията на своята комисия. Но тогава, ако имаше, никога не бихме имали този поразително различен групов портрет от 17-ти век.

„Заек“ - Албрехт Дюрер

Обикновено наричан заек на Дюрер, официалното заглавие на тази картина го нарича заек. Картината е в постоянната колекция на Колекция Batliner от Музей Албертина във Виена, Австрия.

Той е боядисан с акварел и гваш, като белите акценти са направени с гваш (а не са боядисани в бяло на хартията).

Това е грандиозен пример за това как може да се рисува козина. За да го подражавате, подходът, който бихте предприели, зависи от това колко търпение имате. Ако имате юфки, ще рисувате с помощта на тънка четка, по една коса. В противен случай използвайте техника на суха четка или разделете космите върху четка. Търпението и издръжливостта са от съществено значение. Работете твърде бързо върху мокра боя и отделните удари рискуват да се смесят. Не продължавайте достатъчно дълго и козината ще ви се стори разкъсана.

Фреска за таван на Сикстинската капела - Микеланджело

Картината на Микеланджело на тавана на Сикстинската капела е една от най-известните стенописи в света.

Сикстинската капела е голям параклис в Апостолския дворец, официалната резиденция на папата (лидера на католическата църква) във Ватикана. В него има много стенописи, нарисувани от някои от най-големите имена на Ренесанса, включително стенописи от Бернини и Рафаел, но все пак е най-известен със стенописите на тавана от Микеланджело.

Микеланджело е роден на 6 март 1475 г. и умира на 18 февруари 1564 г. По поръчка на папа Юлий II, Микеланджело работи потаванът на Сикстинската капела от май 1508 до октомври 1512 (между септември 1510 и август 1511 не се работи). Параклисът е открит на 1 ноември 1512 г., на празника на всички светии.

Параклисът е дълъг 40,23 метра, широк 13,40 метра, а таванът е 20,70 метра над земята в най-високата си точка¹. Микеланджело рисува поредица от библейски сцени, пророци и предци на Христос, както и тромпел или архитектурни характеристики. Основната зона на тавана изобразява истории от историите на книгата Битие, включително създаването на човечеството, падането на човека от благодатта, потопа и Ной.

Таван на Сикстинската капела: Детайл

Панелът, показващ сътворението на човека, е може би най-известната сцена от известната фреска на Микеланджело на тавана на Сикстинската капела.

В Сикстинската капела във Ватикана са изписани много стенописи, но най-известен е със стенописите на тавана от Микеланджело. Мащабна реставрация е извършена между 1980 и 1994 г. от ватикански експерти по изкуствата, премахвайки столетия дим от свещи и предишни реставрационни дейности. Това разкри цветове много по-ярки, отколкото се смяташе преди.

Използваните пигменти, които Микеланджело включва, включват охра за червените и жълтите, железни силикати за зелени, лазурит за синьо и въглен за черно.¹ Не всичко е изрисувано толкова подробно, колкото се появява за първи път. Например фигурите на преден план са нарисувани по-подробно от тези на фона, добавяйки усещането за дълбочина в тавана.

Повече за Сикстинската капела:

• Ватикански музеи: Сикстинска капела
• Виртуална обиколка на Сикстинската капела

Източници:
1 Ватикански музеи: Сикстинската капела, уебсайт на Ватикана, достъпна на 9 септември 2010 г.

Бележник на Леонардо да Винчи

Ренесансовият художник Леонардо да Винчи е известен не само с картините си, но и с тетрадките си. Тази снимка показва такава в музея на V&A в Лондон.

Музеят V&A в Лондон има в колекцията си пет от тетрадките на Леонардо да Винчи. Този, известен като Codex Forster III, е бил използван от Леонардо да Винчи между 1490 и 1493 г., когато е работил в Милано за херцог Лудовико Сфорца.

Това е малък тефтер, такъв размер, който лесно бихте могли да държите в джоба на палтото. Той е изпълнен с всякакви идеи, бележки и скици, включително "скици на крака на кон, рисунки на шапки и дрехи, които може да са били идеи за костюми на балове, и разказ за анатомията на човека глава."¹ Въпреки че не можете да прелиствате страниците на тетрадката в музея, можете да го прелиствате онлайн.

Четенето на почерка му не е лесно, между калиграфския стил и използването на огледално писане (назад, отдясно наляво), но за някои е очарователно да видят как той слага всякакви в едно тетрадка. Това е работеща тетрадка, а не експозиция. Ако някога сте се притеснявали, че вашият списание за творчество не е направено по някакъв начин правилно или организирано, вземете вашето ръководство от този майстор: направете го, както ви е необходимо.

<sub>Източник:
1. Разгледайте Forster Codices, V&A Museum. (Достъп на 8 август 2010 г.)</sub>

„Мона Лиза“ - Леонардо да Винчи

Леонардо да ВинчиКартината "Мона Лиза" в Лувъра в Париж е може би най-известната картина в света. Вероятно е и най-известният пример за сфумато, живописна техника, отчасти отговорна за нейната загадъчна усмивка.

Много се спекулираше коя е жената от картината. Смята се, че това е портрет на Лиза Герардини, съпруга на флорентински търговец на платове на име Франческо дел Джокондо. (Писателят на изкуството от 16-ти век Вазари беше сред първите, които предложиха това, в своите „Животи на художниците“). Предполага се също, че причината за усмивката й е, че е бременна.

Историците на изкуството знаят Леонардо е започнал „Мона Лиза“ до 1503 г., тъй като през тази година е записан от висш флорентински служител Агостино Веспучи. Когато свърши, не е толкова сигурно. Лувърът първоначално датира картината на 1503-06 г., но открития, направени през 2012 г., предполагат, че тя може да е била колкото десетилетие по-късно, преди да бъде завършен въз основа на фона, базиран на рисунка на скали, за които е известно, че е направил 1510-15.¹ Лувърът промени датите на 1503-19 през март 2012 г.

Източник:
1. Мона Лиза можеше да бъде завършена десетилетие по-късно, отколкото се смяташе във вестник „Изкуство“, от Мартин Бейли, 7 март 2012 г. (достъп до 10 март 2012 г.)

Известни художници: Моне в Живерни

Референтни снимки за рисуване: „Градината в Живерни“ на Моне.

Част от причината художникът импресионист Клод Моне да е толкова известен, са картините му с отраженията в езерцата с лилии, които той е създал в голямата си градина в Живерни. Вдъхновяваше дълги години, чак до края на живота му. Той скицира идеи за картини, вдъхновени от езерата, и създава малки и големи картини както като индивидуални творби, така и като серии.

Подпис на Клод Моне

Този пример за това как Моне подписва картините си е от една от картините му с водна лилия. Виждате, че го е подписал с име и фамилия (Клод Моне) и годината (1904). Той е в долния десен ъгъл, достатъчно далеч, за да не бъде отрязан от рамката.

Пълното име на Моне беше Клод Оскар Моне.

"Импресия изгрев" - Моне

Тази картина на Моне даде името на импресионистичен стил на изкуството. Той го излага през 1874 г. в Париж в това, което става известно като Първата импресионистична изложба.

В рецензията си за изложбата, която той озаглави „Изложба на импресионисти“, изкуствоведът Луи Лерой каза:

"Тапетът в ембрионално състояние е по-завършен от този морски пейзаж."

<sub>Източник:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" от Луис Лерой, Le Charivari, 25 април 1874 г., Париж. Преведено от Джон Ревалд в Историята на импресионизма, Moma, 1946, p256-61; цитирано в Salon to Biennial: Изложби, създали история на изкуството от Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.</sub>

Серия "Сена" - Моне

Моне често рисува поредица от една и съща тема, за да заснеме променящите се ефекти на светлината, разменяйки платна с напредването на деня.

Моне рисува много теми отново и отново, но всяка една от картините му от поредицата е различна, независимо дали е картина на водна лилия или купа сено. Тъй като картините на Моне са разпръснати в колекции по целия свят, обикновено само на специални изложби картините от поредицата му се разглеждат като група. За щастие Институт за изкуство в Чикаго има в колекцията си няколко картини от сено на Моне, тъй като правят впечатляващи гледане заедно:

• Купчина пшеница
• Размразяване, залез
• Залез, Снежен ефект
• Снежен ефект, облачен ден
• Край на лятото

През октомври 1890 г. Моне пише писмо до художествения критик Гюстав Гефрой за сериите сено, които той рисува, казвайки:

„Трудно се справям, упорито работя върху поредица от различни ефекти, но по това време на годината слънцето залязва толкова бързо, че е невъзможно да се справи с него... колкото по-нататък стигам, толкова повече виждам, че трябва да се свърши много работа, за да се получи това, което търся: „моменталност“, „пликът“ преди всичко, една и съща светлина, разпространена върху всичко... Все повече съм обсебен от необходимостта да направя това, което преживявам, и се моля да ми останат още няколко добри години, защото мисля, че може да постигна известен напредък в тази посока... " ¹

<sup>Източник: ​
1. Моне от самия него, p172, редактиран от Richard Kendall, MacDonald & Co, Лондон, 1989.</sup>

„Водни лилии“ - Клод Моне

Клод Моне, "Водни лилии", c. 19140-17, масло върху платно. Размер 65 3/8 x 56 инча (166,1 x 142,2 см). В колекцията на Музеи на изящните изкуства в Сан Франциско.

Моне е може би най-известният от импресионистите, особено заради картините си с отраженията в езерото с лилии в градината му в Живерни. Тази конкретна картина показва мъничко облаче в горния десен ъгъл и петнистото синьо на небето, отразено във водата.

Ако изучите снимки на градината на Моне, като тази на езерото с лилии на Моне и тази с цветя на лилии, и ги сравните с тази картина, ще да усетите как Моне намалява детайлите в своето изкуство, включително само същността на сцената или впечатлението от отражението, водата и лилията цвете. Кликнете върху връзката „Преглед в пълен размер“ под снимката по-горе за по-голяма версия, в която е по-лесно да усетите четката на Monet.

Френският поет Пол Клодел каза:

„Благодарение на водата [Моне] се превърна в художника на онова, което не можем да видим. Той се обръща към онази невидима духовна повърхност, която разделя светлината от отражението. Въздушен лазур в плен на течен лазур... Цветът се издига от дъното на водата в облаци, във водовъртежи. "

^{Източник:}
Страница 262 Изкуството на нашия век, от Жан-Луи Фериер и Ян Льо Пишон

Подпис на Камил Писаро

Художникът Камил Писаро е по-малко известен от много от своите съвременници (като Моне), но има уникално място в хронологията на изкуството. Работил е както като импресионист, така и като неоимпресионист, както и влияе върху известни художници като Сезан, Ван Гог и Гоген. Той беше единственият художник, който изложи на всички осем от Импресионистични изложби в Париж от 1874 до 1886г.

Автопортрет на Ван Гог (1886/1887)

Това портрет от Винсент ван Гог е в колекцията на Арт института в Чикаго. Нарисуван е в стил, подобен на пуантилизма, но не се придържа само към точките.

През двете години, в които живее в Париж, от 1886 до 1888 г., Ван Гог рисува 24 автопортрета. Институтът за изкуство в Чикаго описва този като използване на "точкова техника" на Серат не като научен метод, а като "интензивен емоционален език ", в който" червените и зелените точки са обезпокоителни и напълно в съответствие с нервното напрежение, очевидно във Ван Гог поглед. "

В писмо няколко години по-късно до сестра си Вилхелмина Ван Гог пише:

"Напоследък нарисувах две свои снимки, една от които има по-скоро истинския характер, мисля, въпреки че в Холандия вероятно биха се подиграли на идеите за портретна живопис, които покълват тук... Винаги мисля, че снимките са отвратителни и не обичам да ги имам наоколо, особено не тези на хора, които познавам и обичам... фотографските портрети изсъхват много по-рано, отколкото ние самите, докато нарисуваният портрет е нещо, което се усеща, прави се с любов или уважение към изобразяваното човешко същество. "

Източник:
Писмо до Вилхелмина ван Гог, 19 септември 1889 г.

Подпис на Винсент ван Гог

Нощното кафене от Ван Гог вече е в колекцията на художествената галерия на Йейлския университет. Известно е, че Ван Гог е подписвал само онези картини, от които е бил особено доволен, но необичайното в случая с тази картина е, че той е добавил заглавие под подписа си „Le café de Nuit“.
Забележете, че Ван Гог подписва картините си просто „Винсент“, а не „Винсент ван Гог“, нито „Ван Гог“.

В писмо до брат си Тео, написано на 24 март 1888 г., той казва:

„В бъдеще името ми трябва да бъде вписано в каталога, докато го подписвам на платното, а именно Винсент, а не Ван Гог, по простата причина, че те не знаят как да произнасят последното име тук.“

"Тук" е Арл, в южната част на Франция.
Ако сте се чудили как произнасяте Ван Гог, не забравяйте, че това е холандско фамилно име, а не френско или английско. Така че „Гог“ се произнася, така че се римува с шотландското „лох“. Не е „гоф“, нито „отивай“.

Звездната нощ - Винсент ван Гог

Тази картина, която е може би най-известната картина на Винсент ван Гог, е в колекцията на Музей на модерното изкуство в Ню Йорк.
Ван Гог рисува Звездната нощ през юни 1889 г., като спомена сутрешната звезда в писмо до брат си Тео, написано около 2 юни 1889 г.: „Тази сутрин аз видях страната от прозореца ми много време преди изгрев, без нищо друго освен сутрешната звезда, която изглеждаше много голяма. "Сутрешната звезда (всъщност планетата Венера, а не звезда) обикновено се приема за голямата бяла, нарисувана точно вляво от центъра на картината.
По-ранни писма на Ван Гог също споменават звездите и нощното небе и желанието му да ги рисува:

1. „Кога ще се справя да правя звездното небе, онази картина, която винаги е в съзнанието ми?“ (Писмо до Емил Бернар, около 18 юни 1888 г.)
2. „Що се отнася до звездното небе, продължавам да се надявам много да го нарисувам и може би ще го направя един от тези дни“ (Писмо до Тео ван Гог, около 26 септември 1888 г.).
3. „В момента абсолютно искам да нарисувам звездно небе. Често ми се струва, че нощта все още е по-богато оцветена от деня; с оттенъци на най-интензивните виолетови, сини и зелени. Ако само му обърнете внимание, ще видите, че някои звезди са лимоненожълти, други розови или зелен, син и незабравим блясък... очевидно е, че поставянето на малки бели точки върху синьо-черното не е достатъчно, за да се нарисува звездно небе. "(Писмо до Вилхелмина ван Гог, 16 септември 1888 г.)

Ресторант de la Sirene, в Asnieres - Vincent van Gogh

Тази картина на Винсент ван Гог е в колекцията на музея Ашмол в Оксфорд, Великобритания. Ван Гог го рисува скоро след като пристига в Париж през 1887 г., за да живее с брат си Тео в Монмартър, където Тео управлява художествена галерия.
За първи път Винсент беше изложен на картините на импресионистите (особено на Моне) и се срещна с художници като Гоген, Тулуза-Лотрек, Емил Бернар и Писаро. В сравнение с предишната му работа, която е била доминирана от тъмни земни тонове, типични за северноевропейските художници като Рембранд, тази картина показва влиянието на тези художници върху него.
Цветовете, които той използва, са изсветлявали и изсветлявали, а работата му с четки е станала по-разхлабена и по-очевидна. Погледнете тези подробности от картината и ще видите как той е използвал малки щрихи от чист цвят, отделени. Той не смесва цветовете на платното, но позволява това да се случи в очите на зрителя. Той изпробва счупен цвят подход на импресионистите.
В сравнение с по-късните му картини цветните ивици са раздалечени, като между тях се вижда неутрален фон. Той все още не покрива цялото платно с наситен цвят, нито използва възможностите за използване на четки за създаване на текстура в самата боя.

Ресторант de la Sirene, в Asnieres от Винсент ван Гог (Подробности)

Тези подробности от картината на Ван Гог The Restaurant de la Sirene, в Asnieres (в колекцията на музея Ashmolean), показват как той експериментира с неговите четки и четки след излагане на картините на импресионистите и други съвременни парижани художници.

"Четири танцьори" - Едгар Дега

Едгар Дега, Четири танцьора, c. 1899. Масло върху платно. Размер 59 1/2 x 71 инча (151,1 x 180,2 см). В Национална художествена галерия, Вашингтон.

„Портрет на майката на художника“ - Уислър

Това е може би най-известната картина на Уислър. Пълното й заглавие е „Аранжировка в сиво и черно No1, Портрет на майката на художника“. Майка му се съгласи да позира за картината, когато моделът Уислър се беше разболял. Първоначално той я помоли да позира изправена, но както виждате, той се поддаде и я остави да седне.
На стената е офорт от Уислър „Пристанището на черния лъв“. Ако погледнете много внимателно завесата горе вляво от рамката на офорта ще видите по-леки размазвания, това е символът на пеперудата, който Уислър използва, за да подписва картините си. Символът не винаги е бил един и същ, но се е променил и формата му се използва за датиране на неговото произведение на изкуството. Известно е, че е започнал да го използва до 1869г.

„Надежда II“ - Густав Климт

„Който иска да знае нещо за мен - като художник, единственото забележително нещо - трябва да разгледа внимателно моите снимки и да се опита да види в тях какво съм и какво искам да направя.“ Климт.

Густав Климт рисува Надежда II върху платно през 1907/8 г. с помощта на маслени бои, злато и платина. Размерът му е 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Картината е част от колекцията на Музей на модерното изкуство в Ню Йорк.
Надежда II е красив пример за Използването на Климт от златни листа в картините и богатия му орнаментален стил. Вижте начина, по който той рисува дрехата, носена от главната фигура, как е абстрахирана форма, украсена с кръгове, но все още я „четем“ като наметало или рокля. Как отдолу се влива в трите други лица.
В своята илюстрирана биография на Климт изкуствоведът Франк Уитфорд казва:

Климт "прилага истинско златно и сребърно листо, за да засили още повече впечатлението, че картината е ценен предмет, не отдалечено огледало, в което може да се види природата, а внимателно изработен артефакт. " ²

Това е символика, която все още се счита за валидна в наши дни, като се има предвид, че златото все още се счита за ценна стока.
Климт живее във Виена в Австрия и черпи вдъхновение повече от Изтока, отколкото от Запада, от „такива източници като Византийско изкуство, микенска метална конструкция, персийски килими и миниатюри, мозайките на равенските църкви и японски екрани. " ³
Източник:
1. Художници в контекст: Густав Климт от Франк Уитфорд (Collins & Brown, Лондон, 1993), задна корица.
2. Пак там. стр82.
3. Акценти в MoMA (Музей на модерното изкуство, Ню Йорк, 2004), стр. 54

Подписът на Пикасо

Това е подписът на Пикасо върху неговата картина от 1903 г. (от синия му период), озаглавена „Пиещият абсент“.
Пикасо експериментира с различни съкратени версии на името си като свой живописен подпис, включително заоблени инициали, преди да зададете „Пабло Пикасо“. Днес обикновено го чуваме да го наричат ​​просто - Пикасо.

Пълното му име беше: Пабло, Диго, Хосе, Франсиско де Паула, Хуан Непомучено, Мария де лос Ремедиос, Чиприано, де ла Сантисима Тринидад, Руис Пикасо¹.
​
<sub>Източник:
1. „Сума от разрушения: Културите на Пикасо и създаването на кубизъм“, от Наташа Сталер. Yale University Press. Страница p209.</sub>

„Пиещият абсент“ - Пикасо

Тази картина е създадена от Пикасо през 1903 г., по време на неговия Син период (време, когато тонове на синьото доминират в картините на Пикасо; когато беше на двадесет години). В него участва художникът Ангел Фернандес де Сото, който беше по-ентусиазиран от купоните и пиенето от картината си¹, и който два пъти споделяше студио с Пикасо в Барселона.
Картината е обявена на търг през юни 2010 г. от фондация „Андрю Лойд Уебър“, след като в САЩ е постигнато извънсъдебно споразумение за собственост, след твърдението на потомци на германско-еврейския банкер Пол фон Менделсон-Бартолди, че картината е била под принуда през 30-те години по време на нацисткия режим през Германия.

<sub>Източник:
1. Аукционна къща на Кристис съобщение за пресата, „Кристис да предложи шедьовър на Пикасо“, 17 март 2010 г.</sub>

"Трагедията" - Пикасо

Пабло Пикасо, Трагедията, 1903. Масло върху дърво. Размер 41 7/16 x 27 3/16 инча (105,3 x 69 cm). В Национална художествена галерия, Вашингтон.

Това е от синия му период, когато картините му, както подсказва името, са доминирани от блуса.

Скица на Пикасо за известната му картина „Герника“

Докато планира и работи върху огромната си картина „Герника“, Пикасо прави много скици и проучвания. Снимката показва един от неговите състав скици, което само по себе си не изглежда много, колекция от надраскани редове.

Вместо да се опитвате да разчетете какви биха могли да бъдат различните неща и къде се намира във финалната картина, помислете за нея като за стенография на Пикасо. Просто маркиране за изображения, които той държеше в съзнанието си. Фокусирайте се върху това как той използва това, за да решите къде да поставите елементи в картината, върху взаимодействието между тези елементи.

"Герника" - Пикасо

Тази известна картина на Пикасо е огромна: 11 фута 6 инча висока и 25 фута 8 инча широка (3,5 х 7,76 метра). Пикасо го рисува по поръчка за испанския павилион на Световното изложение през 1937 г. в Париж. Намира се в Museo Reina Sofia в Мадрид, Испания.

"Portrait de Mr Minguell" - Пикасо

Пикасо е направил тази портретна картина през 1901 г., когато е бил на 20 години. Предметът е каталонски шивач, г-н Мингюел, за когото се смята, че Пикасо е бил представен от неговия търговец и приятел Педро Манах¹. Стилът показва обучението на Пикасо в традиционната живопис и доколко се е развил неговият стил на рисуване по време на кариерата му. Това, че е нарисувано на хартия, е знак, че е направено по времето, когато Пикасо е бил счупен, все още не е спечелил достатъчно пари от изкуството си, за да рисува върху платно.

Пикасо подари картината на Мингюел, но по-късно я купи обратно и все още я имаше, когато почина през 1973 г. Картината е поставена на платно и вероятно също е реставрирана под ръководството на Пикасо "някъде преди 1969 г."², когато е заснет за книга на Кристиан Зервос на Пикасо.

Следващият път ще участвате в един от онези спорове за вечерята за това как всички художници нереалисти само рисуват абстрактно, кубист, фовист, импресионист, изберете стила си, защото не могат да правят „истински картини“, попитайте човека дали са поставили Пикасо в тази категория (повечето го правят), след това споменете тази картина.

_{Източник:
1 & 2. Продажба на Bonhams 17802 Подробности за партидата Импресионисти и модерно изкуство Продажба на 22 юни 2010 г. (Достъп на 3 юни 2010 г.)}

„Дора Маар“ или „Tête De Femme“ - Пикасо

Когато е продадена на търг през юни 2008 г., тази картина на Пикасо е продадена за £ 7,881,250 (15,509,512 щатски долара). Оценката на търга беше от три до пет милиона лири.

Les Demoiselles d'Avignon - Пикасо

Тази огромна картина (близо осем квадратни фута) от Пикасо е обявена за едно от най-важните произведения на съвременното изкуство, създавани някога, ако не на най-важното, решаваща картина в развитието на съвременното изкуство. Картината изобразява пет жени - проститутки в публичен дом, но има много спорове за това какво означава всичко и за всички препратки и влияния в него.
Изкуствовед Джонатан Джоунс¹ казва:

"Това, което впечатли Пикасо за африканските маски [очевидно в лицата на фигурите вдясно], беше най-очевидното нещо: че те маскират, превръщат в нещо друго - животно, демон, а Бог. Модернизмът е изкуство, което носи маска. Не се казва какво означава; това не е прозорец, а стена. Пикасо подбира темата си точно защото това е клише: той иска да покаже, че оригиналността в изкуството не се крие в повествованието или морала, а във формалното изобретение. Ето защо е погрешно да се вижда Les Demoiselles d'Avignon като картина "за" публични домове, проститутки или колониализъм. "

Източник:
1. Пънките на Пабло от Джонатан Джоунс, Пазителят, 9 януари 2007 г.

„Жена с китара“ - Жорж Брак

Жорж Брак, Жена с китара, 1913. Масло и въглища върху платно. 51 1/4 x 28 3/4 инча (130 x 73 см). В Musee National d'Art Moderne, Център Жорж Помпиду, Париж.

Червеното студио - Анри Матис

Тази картина е в колекцията на Музей на модерното изкуство (Мома) в Ню Йорк. Той показва интериора на ателието за рисуване на Matisse, с сплескана перспектива или единична плоскост на картината. Стените на ателието му всъщност не бяха червени, а бели; той използва червено в картината си за ефект.
В студиото му са изложени различни негови произведения на изкуството и части от студийни мебели. Очертанията на мебелите в ателието му са линии в боята, разкриващи цвят от по-нисък, жълт и син слой, не боядисан отгоре върху червения.

1. „Наклонените линии предполагат дълбочина, а синьо-зелената светлина на прозореца засилва усещането за вътрешно пространство, но червеният простор изравнява изображението. Матис засилва този ефект, като например пропуска вертикалната линия на ъгъла на стаята. "
- Акценти в MoMA, публикувано от Moma, 2004, стр. 77.

2. "Всички елементи... потъват техните индивидуални идентичности в това, което се превърна в продължителна медитация върху изкуството и живота, пространството, времето, възприятието и природата на самата реалност... кръстопът за западната живопис, където класическото, гледащо навън, преобладаващо представително изкуство от миналото отговаря на временния, вътрешен и самореферентен етос на бъдещето ...
- Хилари Спърлинг,, страница 81.

Танцът - Анри Матис

Най-горната снимка показва завършената картина на Матис, озаглавена Танцът, завършен през 1910 г. и сега в Държавния Ермитаж в Санкт Петербург, Русия. Долната снимка показва композицията в пълен размер, направена от него за картината в момента МОМА в Ню Йорк, САЩ. Матис го рисува по поръчка на руския колекционер на произведения на изкуството Сергей Щукин.
Това е огромна картина, широка почти четири метра и висока два метра и половина (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), и е боядисана с палитра, ограничена до три цвята: червен, зелено и синьо. Мисля, че това е картина, която показва защо Матис има такава репутация като колорист, особено когато сравнявате изследването с финалната картина с нейните светещи фигури.
В своята биография на Матис (на страница 30) Хилари Спърлинг казва:

"Тези, които видяха първата версия на Танц описва го като бледо, нежно, дори като мечтано, боядисано в цветове, които са засилени... във втората версия в ожесточен, плосък фриз от фигури на вермилион, вибриращи срещу ленти от ярко зелено и небе. Съвременниците виждаха картината като езическа и дионисийска. "

Обърнете внимание на сплесканата перспектива, как фигурите са с еднакъв размер, а не тези, които са по-далеч от по-малките, както би се случило в перспектива или ракурс за представителни картини. Как е извита линията между синьото и зеленото зад фигурите, отекваща кръга от фигури.

„Повърхността беше оцветена до насищане до точката, в която синьото, идеята за абсолютно синьо, бе категорично присъстващо. Ярко зелено за земята и жизнена гъба за телата. С тези три цвята имах своята хармония на светлината, а също и чистота на тона. "- Матис

Източник:
„Въведение в изложбата„ От руски за учители и студенти “от Грег Харис, Кралска академия на изкуствата, Лондон, 2008 г.

Известни художници: Вилем де Кунинг

Художникът Вилем де Кунинг е роден в Ротердам, Холандия на 24 август 1904 г. и умира в Лонг Айлънд, Ню Йорк, на 19 март 1997 г. Де Кунинг е чирак в търговската фирма за изкуство и декорация, когато е бил на 12 години и е посещавал вечерни часове в Ротердамската академия за изящни изкуства и техники в продължение на осем години. Емигрира в САЩ през 1926 г. и започва да рисува на пълен работен ден през 1936 г.

Живописният стил на Де Кунинг е абстрактният експресионизъм. Той направи първата си самостоятелна изложба в галерията Чарлз Игън в Ню Йорк през 1948 г., с произведение в черно-бяла емайлова боя. (Започва да използва емайлирана боя, тъй като не може да си позволи пигментите на художника.) Към 50-те години той е признат за един от лидерите на абстрактния експресионизъм, въпреки че някои пуристи от стила смятат, че картините му (като неговата Жена серията) включват твърде много от човешката форма.

Неговите картини съдържат много слоеве, елементи се припокриват и скриват, докато той преработва и преработва картина. Промените могат да се показват. Той рисува върху платната си с въглища широко, за първоначалната композиция и докато рисува. Неговата четка е жестова, изразителна, дива, с усещане за енергия зад ударите. Последният поглед на картините е направен, но не е.

Художествената продукция на De Kooning обхваща близо седем десетилетия и включва картини, скулптури, рисунки и гравюри. Последните му картини Източник в края на 80-те. Най-известните му картини са Розови ангели (° С. 1945), Разкопки (1950), а неговият трети Жена поредица (1950–53), направена в по-живописен стил и импровизационен подход. През 40-те години той работи едновременно в абстрактни и представителни стилове. Пробивът му идва с неговите черно-бели абстрактни композиции от 1948–49. В средата на 50-те години той рисува градските абстракции, връщайки се към фигурацията през 60-те години, след това към големите абстракции с жестове през 70-те години. През 80-те години de Kooning преминава към работа върху гладки повърхности, остъклявайки с ярки, прозрачни цветове върху фрагменти от жестови рисунки.

Американска готика - Grant Wood

Американска готика е може би най-известната от всички картини, създадени някога от американския художник Грант Ууд. Сега е в Института по изкуствата в Чикаго.

Грант Ууд рисува „Американска готика“ през 1930 година. На нея са изобразени мъж и дъщеря му (не жена му¹) стоящи пред къщата им. Грант видя сградата, която вдъхнови картината в Елдън, Айова. Архитектурният стил е американска готика, където картината получава заглавието си. Моделите на картината бяха сестрата на Ууд и техният зъболекар.². Картината е подписана близо до долния ръб, върху гащеризона на мъжа, с името и годината на художника (Grant Wood 1930).

Какво означава картината? Ууд го е замислил да бъде достоен образ на характера на среднозападните американци, показващ тяхната пуританска етика. Но това може да се разглежда като коментар (сатира) относно непоносимостта на селското население към външни лица. Символиката в картината включва тежък труд (вили) и домакинство (саксии за цветя и престилка с колониален печат). Ако се вгледате внимателно, ще видите трите зъба на вилата, отекващи в шевовете на гащеризона на мъжа, продължавайки нагоре по ивиците на ризата му.

^{Източник:
Американска готика, Art Institute of Chicago, получено на 23 март 2011 г.}

„Христос на Свети Йоан от Кръста“ - Салвадор Дали

Тази картина от Салвадор Дали е в колекцията на Художествена галерия и музей Келвингрове в Глазгоу, Шотландия. За първи път се показва в галерията на 23 юни 1952 г. Картината е закупена за £ 8 200, което се счита за висока цена, въпреки че включва авторските права, които позволяват на галерията да печели такси за възпроизвеждане (и да продава безброй картички!).
За Дали беше необичайно да продава авторските права върху картина, но се нуждаеше от парите. (Авторското право остава за изпълнителя, освен ако не е подписано, вижте ЧЗВ за авторското право.)

„Очевидно във финансови затруднения Дали първоначално поиска 12 000 британски лири, но след тежък пазарлък... той го продава за почти една трета по-малко и подписва писмо до град [Глазгоу] през 1952 г., отстъпвайки авторски права.

Заглавието на картината е препратка към рисунката, която вдъхнови Дали. Рисуването с писалка и мастило е направено след видение, което св. Йоан от Кръста (испански монах от кармелитите, 1542–1591) е видял, когато разпъването на Христос го е гледало отгоре. Композицията е поразителна с необичайната си гледна точка за разпятието на Христос, осветлението е драматично, хвърлящо силно сенки, и голяма употреба от ракурс на фигурата. Пейзажът в долната част на картината е пристанището на родния град на Дали, Порт Лигат в Испания.
Картината е противоречива в много отношения: сумата, която е платена за нея; предмета; стила (който се появи по-скоро ретро, ​​отколкото модерен). Прочетете повече за картината на уебсайта на галерията.

Източник:
"Сюрреалистичен случай на изображенията на Дали и битка за художествен лиценз"от Северин Карел, Пазителят, 27 януари 2009 г.

Кутии за супа на Кембъл - Анди Уорхол

Подробности от Анди Уорхол Кутии за супа на Кембъл. Акрил върху платно. 32 картини всяка 20x16 "(50.8x40.6cm). В колекцията на Музей на модерното изкуство (MoMA) в Ню Йорк.
Уорхол за първи път изложи своята поредица от картини на супата на Кембъл през 1962 г., като дъното на всяка картина лежи на рафт, както бидон в супермаркет. В поредицата има 32 картини, броят на сортовете супи, продадени по това време от Campbell's.
Ако си бяхте представяли, че Уорхол зарежда килера си с кутии със супа, а след това яде една консерва, докато е завършил рисуването, ами изглежда не. Според уебсайта на Мома Уорхол е използвал списък с продукти от Campbell's, за да придаде различен вкус на всяка картина.
На въпрос за това Уорхол каза:

„Преди го пиех. Имах един и същи обяд всеки ден, в продължение на двадесет години, предполагам, едно и също нещо отново и отново. "¹

Уорхол също очевидно няма поръчка, в която иска картините да бъдат показани. Мома показва картините „на редове, които отразяват хронологичния ред, в който [супите] са въведени, започвайки с„ Домат “в горния ляв ъгъл, който дебютира през 1897 г.“

Така че, ако рисувате поредица и искате те да бъдат показани в определен ред, не забравяйте да направите бележка за това някъде. Задният ръб на платната е може би най-добрият, тъй като тогава той няма да се отдели от картината (въпреки че може да се скрие, ако картините са в рамка).
Уорхол е художник, който често се споменава от художници, които искат да правят производни произведения. Две неща си струва да се отбележат, преди да направите подобни неща:

1. На Уебсайтът на Мома, има индикация за лиценз от Campbell's Soup Co (т.е. лицензионно споразумение между супата и имението на художника).
2. Изпълнението на авторското право изглежда е било по-малко проблем по времето на Уорхол. Не правете предположения за авторски права въз основа на произведението на Уорхол. Направете вашето проучване и решете какво е вашето ниво на загриженост относно евентуално дело за нарушаване на авторски права.

Кембъл не възложи на Уорхол да направи картините (въпреки че впоследствие поръчаха една за пенсиониращ се председател на борда през 1964 г.) и имаше притеснения, когато марката се появи в картините на Уорхол през 1962 г., възприемайки изчаквателен подход, за да прецени какъв е отговорът на картини. През 2004, 2006 и 2012 г. Кембъл продава консерви със специални възпоменателни етикети на Уорхол.

<sub>Източник:
1. Както е цитирано на Мома, достъпна на 31 август 2012 г.</sub>

По-големи дървета близо до Уортър - Дейвид Хокни

Горна част: Художникът Дейвид Хокни стои до част от маслената си картина „По-големи дървета в близост до Уортър“, която той дари на Tate Britain през април 2008 г.
Отдолу: Картината е изложена за първи път на лятното изложение през 2007 г. в Кралската академия в Лондон, заемайки цялата стена.
Маслената картина на Дейвид Хокни "По-големи дървета в близост до Warter" (наричана още Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) изобразява сцена близо до Бридлингтън в Йоркшир. Картината, направена от 50 платна, подредени едно до друго. Взети заедно, общият размер на картината е 40x15 фута (4.6x12 метра).
По времето, когато Хоки го рисува, това е най-голямото парче, което някога е завършил, макар и не първото, което е създал с множество платна.

" Направих това, защото осъзнах, че мога да го направя без стълба. Когато рисувате, трябва да можете да отстъпите. Е, има художници, които са били убити, отстъпвайки от стълбите, нали?"
- Хокни цитиран в a Ройтер новинарски доклад, 7 април 2008 г.

Хокни използва рисунки и компютър, за да помогне с композицията и рисуването. След завършване на раздел беше направена снимка, за да може да види цялата картина на компютъра.

„Първо, Хокни скицира мрежа, показваща как сцената ще се събере над 50 панела. След това той започва да работи върху отделни панели in situ. Докато той работеше по тях, те бяха снимани и превърнати в компютърна мозайка, за да може той да очертае напредъка си, тъй като можеше да има само шест панела на стената наведнъж. "

Източник:
Шарлот Хигинс, пазач кореспондент по изкуства, Хокни дарява огромна работа на Тейт, 7 април 2008 г.

Бойните картини на Хенри Мур

The Изложба на Хенри Мур в галерията Tate Britain в Лондон продължи от 24 февруари до 8 август 2010 г.

Британският художник Хенри Мур е най-известен със своите скулптури, но също така е известен със своите мастило, восък и акварелни картини на хора, приютяващи се в метростанциите на Лондон по време на Втората световна война. Мур е официален военен артист, а през 2010г Изложба на Хенри Мур в Tate Britain Gallery има стая, посветена на тях. Направени между есента на 1940 г. и лятото на 1941 г., неговите изображения на спящи фигури, сгушени във влака тунелите уловиха чувство на мъка, което преобрази репутацията му и повлия на популярното възприятие на Блиц. Неговата работа през 50-те години отразява последиците от войната и перспективата за по-нататъшни конфликти.
Мур е роден в Йоркшир и учи в Лийдс училище по изкуства през 1919 г., след като служи в Първата световна война. През 1921 г. печели стипендия за Кралския колеж в Лондон. По-късно преподава в Кралския колеж, както и в Училището по изкуства в Челси. От 1940 г. Мур живее в Perry Green в Хартфордшир, сега дом на Фондация Хенри Мур. На биеналето във Венеция през 1948 г. Мур печели Международната награда за скулптура.

"Франк" - Чък Клоуз

"Франк" от Чък Клоуз, 1969. Акрил върху платно. Размер 108 x 84 x 3 инча (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). В Институт за изкуство в Минеаполис.

Автопортрет и фотопортрет на Лусиан Фройд

Художникът Лусиан Фройд е известен със своя интензивен, непримирим поглед, но както показва този автопортрет, той го обръща към себе си, а не само към своите модели.

1. „Мисля, че страхотният портрет е свързан с... усещането и индивидуалността и интензивността на погледа и фокуса върху конкретното. " ¹
2. „... трябва да се опиташ да се нарисуваш като друг човек. С автопортретите „подобието“ става различно нещо. Трябва да правя това, което чувствам, без да съм експресионист. " ²

<sup>Източник:
1. Lucian Freud, цитиран по Freud at Work p32-3. 2. Лусиан Фройд, цитиран в Lucian Freud от Уилям Фивър (Tate Publishing, Лондон 2002), стр. 43.</sup>

"Бащата на Мона Лиза" - Ман Рей

"Бащата на Мона Лиза" от Ман Рей, 1967. Възпроизвеждане на рисунка, монтирана върху влакнести плочи, с добавена пура. Размер 18 x 13 5/8 x 2 5/8 инча (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). В колекцията на Музей Хиршорн.
Много хора свързват Ман Рей само с фотографията, но той също е бил художник и художник. Той беше приятел с художника Марсел Дюшан и работи в сътрудничество с него.
През май 1999 г. Арт новини списание включи Ман Рей в списъка си с 25-те най-влиятелни художници на 20-ти век, за неговата фотография и "проучвания на филм, живопис, скулптура, колаж, асемблаж. Тези прототипи в крайна сметка ще бъдат наречени пърформанс изкуство и концептуално изкуство. "

Art News каза:

„Ман Рей предложи на художниците във всички медии пример за творческа интелигентност, която в своя„ стремеж към удоволствие и свобода “[Ман Рей заяви, че е ръководна принципи] отключваше всяка врата, до която стигна, и ходеше свободно, където би искал. "(Цитат Източник: Art News, май 1999 г.," Умишлен провокатор "от А.Д. Колман.)

Това парче „Бащата на Мона Лиза“ показва как една сравнително проста идея може да бъде ефективна. Трудната част излиза с идеята на първо място; понякога те идват като проблясък на вдъхновение; понякога като част от мозъчна атака на идеи; понякога чрез разработване и преследване на концепция или мисъл.

Известни художници: Ив Клайн

Ретроспектива: Изложба на Yves Klein в музея Hirshhorn във Вашингтон, САЩ, от 20 май 2010 г. до 12 септември 2010 г.

Художникът Ив Клайн е може би най-известен със своите едноцветни произведения на изкуството, отличаващи се със специалното синьо (вижте например "Жива четка за рисуване"). IKB или International Klein Blue е ултрамариново синьо, което той формулира.

Наричайки се „художник на пространството“, Клайн „се стреми да постигне нематериална духовност чрез чист цвят“ и се занимава със „съвременните представи за концептуалната природа на изкуството“¹.

Клайн имаше сравнително кратка кариера, по-малко от десет години. Първата му публична работа е книгата на художник Ив Пейнтърс ("Картини на Ив"), публикувано през 1954 г. Първата му публична изложба е през 1955г. Умира от инфаркт през 1962 г., на 34 години. (Хронология на живота на Клайн от Архив на Ив Клайн.)

<sub>Източник:
1. Ив Клайн: С празнотата, пълни сили, музей Хиршхорн, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, достъп до 13 май 2010 г.</sub>

"Жива четка за рисуване" - Ив Клайн

Тази картина на френския художник Ив Клайн (1928-1962) е една от поредицата, която той използва „живи четки за рисуване“. Той покри голи женски модели със своята синя синя боя (International Klein Blue, IKB) и след това в произведение на пърформанса пред публика, „нарисувана“ с тях върху големи листове хартия, като ги насочва устно.
Заглавието "ANT154" произлиза от коментар, направен от изкуствовед, Пиер Рестани, описващ картини, произведени като „антропометрии от синия период“. Клайн използва съкращението ANT като поредица заглавие.

Черна живопис - Ad Reinhardt

„Има нещо нередно, безотговорно и безсмислено в цвета; нещо невъзможно да се контролира. Контролът и рационалността са част от моя морал. " - Ad Reinhard през 1960г ¹

Тази монохромна картина на американския художник Ad Reinhardt (1913-1967) се намира в Музея на модерното изкуство (Moma) в Ню Йорк. Той е 60x60 "(152.4x152.4cm), масло върху платно и е рисуван 1960-61. През последното десетилетие и малко от живота си (той почина през 1967 г.), Райнхард използва само черно в картините си.
Ейми Сия, който направи снимката, казва, че водещият посочва как картината е разделена на девет квадрата, всеки с различен нюанс на черно.
Не се притеснявайте, ако не можете да го видите на снимката. Трудно е да се види дори когато сте пред картината. В нея есе за Райнхард за Гугенхайм Нанси Спектор описва платната на Райнхард като „заглушени черни квадрати, съдържащи едва забележими кръстовидни форми [които] оспорват границите на видимостта“ ².
<sup>Източник:
1. Цвят в изкуството от Джон Гейдж, стр. 205
2. Райнхард от Нанси Спектор, музей Гугенхайм (Достъп на 5 август 2013 г.)</sup>

Лондонската живопис на Джон Добродетел

Британският художник John Virtue рисува абстрактни пейзажи само с черно и бяло от 1978 г. насам. На DVD, произведен от Лондонската национална галерия, Добродетел казва, че работата в черно и бяло го принуждава "да бъде изобретателен... да преоткрие". Избягването на цвета "се задълбочава усещането ми за това какъв цвят има... Усещането за действително това, което виждам... е най-доброто и по-точно и по-предадено, като нямаме палитра от масло боя. Цветът би бил тупик. "
Това е една от лондонските картини на John Virtue, направени, докато той е бил асоцииран художник в Националната галерия (от 2003 до 2005 г.). The Уебсайт на Националната галерия описва картините на Добродетелта като "сродни с ориенталската рисунка с четки и американския абстрактен експресионизъм" и свързани тясно с "великия английски художници на пейзажи, Търнър и Констебъл, на които Добродетелта се възхищава изключително много ", както и повлияни от" холандските и фламандските пейзажи на Руисдаел, Конинк и Рубенс ".
Добродетелта не дава заглавия на картините му, а само цифри. В интервю от април 2005 г. на Художници и илюстратори списание, Добродетел казва, че е започнал да брои своите произведения хронологично през 1978 г., когато е започнал да работи в монохромен вид:

"Няма йерархия. Няма значение дали е 28 фута или три инча. Това е невербален дневник за моето съществуване. "

Картините му се наричат ​​просто "Пейзаж № 45" или "Пейзаж № 630" и т.н.

Кошът за изкуство - Майкъл Ланди

Изложбата Art Bin на художника Майкъл Ланди се състоя в Галерия Южен Лондон от 29 януари до 14 март 2010 г. Концепцията е огромна (600 м³) кошче за отпадъци, вградено в пространството на галерията, в което се изхвърля изкуството, „паметник на творчески провал“¹.
Но не просто някакво старо изкуство; трябваше да кандидатствате, за да хвърлите изкуството си в кошчето или онлайн, или в галерията, като Майкъл Ланди или някой от неговите представители решава дали то може да бъде включено или не. Ако бъде прието, то е хвърлено в кошчето от кула в единия край.

Когато бях на изложбата, бяха хвърлени няколко парчета и човекът, който прави хвърлянето, имаше много практики от начина, по който той успя да накара една картина да се плъзне точно от другата страна на контейнер.
Интерпретацията на изкуството тръгва по пътя кога / защо изкуството се счита за добро (или боклук), субективността в стойност, приписвана на изкуството, акта на колекциониране на изкуството, силата на колекционерите на изкуство и галериите да правят или разбиват художествените кариера.

Със сигурност беше интересно да се разхождате отстрани, гледайки какво е хвърлено, какво се е счупило (много парчета полистирол) и кое не (повечето картини върху платно бяха цели). Някъде в дъното имаше голям череп с щампа, украсен със стъкло от Деймиън Хърст и парче от Трейси Емин. В крайна сметка това, което би могло да бъде, би било рециклирано (например хартиени и платнени носилки), а останалото предназначено да отиде на сметището. Погребан като боклук, едва ли ще бъде изровен от векове от археолог.

_{Източник:
1&2. # Майкъл Ланди: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), уебсайт на галерия Южен Лондон, достъпен на 13 март 2010 г.}

Барак Обама - Шепърд Фейри

Тази картина на американския политик Барак Обама, колаж със смесени медии, е създадена от уличния художник със седалище в Лос Анджелис, Шепърд Фейри. Това беше централното портретно изображение, използвано в президентската предизборна кампания на Обама през 2008 г., и разпространено като печат и безплатно изтегляне от ограничено издание. Сега се намира в Националната портретна галерия във Вашингтон.

1. „За да създаде своя плакат на Обама (което той направи за по-малко от седмица), Фейри грабна новинарна снимка на кандидата в интернет. Той потърси Обама, който изглеждаше президентски... След това художникът опрости линиите и геометрията, използвайки червена, бяла и синя патриотична палитра (с която играе, като направи бялото бежово, а синьото пастелен нюанс)... удебелени думи ...
2. "Неговите плакати на Обама (и много от неговите търговски и изящни произведения на изкуството) са преработка на техниките на революционни пропагандисти - ярките цветове, удебелените букви, геометричната простота, героичните пози. "

Източник: ​
„Одобрението на Обама на стената“ от Уилям Бут, Washington Post 18 май 2008 г.

„Реквием, бели рози и пеперуди“ - Деймиън Хърст

Британският художник Деймиън Хърст е най-известен със своите животни, запазени във формалдехид, но в началото на 40-те години се завръща към маслената живопис. През октомври 2009 г. той изложи картини, създадени между 2006 и 2008 г. за първи път в Лондон. Този пример за все още неизвестна картина на известен художник идва от неговата изложба в колекцията Уолъс в Лондон, озаглавена „No Love Lost“. (Дати: 12 октомври 2009 г. до 24 януари 2010 г.)
BBC News цитира Хърст.

„Сега той рисува само на ръка“, че в продължение на две години „картините му бяха смущаващи и аз не исках всеки, който да влезе. "и че той„ трябваше да се научи отново да рисува за първи път, откакто беше тийнейджърско изкуство студент."¹

В прессъобщението, придружаващо изложението Уолъс, се казва:

"" Сините картини "свидетелстват за смела нова посока в работата му; поредица от картини, които по думите на художника са „дълбоко свързани с миналото“. "

Поставянето на боя върху платно със сигурност е нова посока за Хърст и там, където отива Хърст, студентите по изкуство вероятно ще следват. Маслената живопис може отново да стане модерна.
Пътеводителят на About.com за Лондонски пътувания, Лора Портър, отиде до прегледа на изложбата на Хърст и получи отговор на един въпрос, който исках да знам: Какви сини пигменти използваше?

На Лора беше казано, че е "Пруско синьо за всички с изключение на една от 25-те картини, която е черна. "Нищо чудно, че е толкова тъмно, тлеещо синьо!
Изкуствоведът Адриан Сиърл от Пазителят не беше много благосклонен към картините на Хърст:

„В най-лошия случай рисунката на Хърст просто изглежда аматьорска и юношеска. В работата му с четка липсва онази измама и маниер, които ви карат да вярвате в лъжите на художника. Още не може да го отнесе. "²

<sub>Източник:
1 Хърст 'се отказва от мариновани животни', BBC News, 1 октомври 2009 г.
2. "Картините на Деймиън Хърст са смъртоносно скучни, "Адриан Серл, пазач, 14 октомври 2009 г.</sub>

Известни художници: Антъни Гормли

Антъни Гормли е британски художник, може би най-известен със своята скулптура Angel of the North, разкрита през 1998 година. Той стои в Тайнсайд, североизточна Англия, на място, което някога е било шахта, като ви приветства със своите 54 метра широки крила.
През юли 2009 г. инсталационното произведение на Гормли на Четвъртия цокъл на площад Трафалгар в Лондон видя доброволец да стои един час на цокъла, 24 часа в денонощието, в продължение на 100 дни. За разлика от другите цокли на площад Трафалгар, четвъртият цокъл непосредствено пред Националната галерия няма постоянна статуя върху него. Някои от участниците бяха самите художници и скицираха необичайната си гледна точка (снимка).
Антъни Гормли е роден през 1950 г. в Лондон. Учи в различни колежи в Обединеното кралство и будизма в Индия и Шри Ланка, преди да се съсредоточи върху скулптурата в Училището по изкуства Слейд в Лондон между 1977 и 1979 г. Първата му самостоятелна изложба е в художествената галерия Уайтчапъл през 1981 г. През 1994 г. Гормли печели наградата на Търнър със своята „Поле за Британските острови“.
Биографията му върху неговата уебсайт казва:

... Антъни Гормли съживи човешкия образ в скулптурата чрез радикално изследване на тялото като място за памет и трансформация, използвайки собственото си тяло като предмет, инструмент и материал. От 1990 г. той разширява загрижеността си за човешкото състояние, за да изследва колективното тяло и връзката между себе си и другите в мащабни инсталации ...

Гормли не създава типа фигура, която прави, защото не може да прави статуи в традиционен стил. По-скоро той изпитва удоволствие от разликата и способността, която ни дават да ги интерпретираме. В интервю с Времената¹, той каза:

„Традиционните статуи не са за потенциал, а за нещо, което вече е завършено. Те имат морален авторитет, който по-скоро е потискащ, отколкото съвместен. Моите творби признават тяхната празнота. "

^{Източник:
Антони Гормли, Човекът, който счупи калъпа от Джон-Пол Флинтов, The Times, 2 март 2008 г.}

Известни съвременни британски художници

Отляво надясно художниците Боб и Роберта Смит, Бил Удроу, Паула Рего, Майкъл Крейг-Мартин, Маги Хамблинг, Брайън Кларк, Кати дьо Моншо, Том Филипс, Бен Джонсън, Том Хънтър, Питър Блейки Алисън Уот.
Поводът беше разглеждане на картината Диана и Актеон от Тициан (невиждано, вляво) в Националната галерия в Лондон, с цел набиране на средства за закупуване на картината за галерията.

Известни художници: Лий Краснър и Джаксън Полок

От тези двама художници, Джаксън Полок е по-известен от Лий Краснър, но без нейната подкрепа и популяризиране на неговите произведения на изкуството, той може и да няма място в хронологията на изкуството, което прави. И двамата рисувани в абстрактен експресионистичен стил. Краснър се бори за признание сама по себе си, вместо просто да бъде считана за съпруга на Полок. Краснер остави наследство за създаване на Фондация Полок-Краснер, който дава безвъзмездни средства на визуални художници

Стълбищен статив на Луис Астън Найт

Луис Астън Найт (1873-1948) е роден в Париж американски художник, известен със своите пейзажни картини. Първоначално е тренирал при баща си художник Даниел Риджуей Найт. Той излага във Френския салон за първи път през 1894 г. и продължава да го прави през целия си живот, като същевременно печели признание в Америка. Неговата живопис Следсвечението е закупен през 1922 г. от президента на САЩ Уорън Хардинг за Белия дом.
Тази снимка от Архиви на американското изкуство, за съжаление, не ни дава местоположение, но трябва да помислите, че всеки художник, желаещ да влезе водата с неговата стативна стълба и бои беше или много отдадена на наблюдението на природата, или съвсем на шоумен.

1897: Час по женско изкуство

Тази снимка от 1897 г. от Архиви на американското изкуство показва клас по женско изкуство с инструктор Уилям Мерит Чейс. В онази епоха мъжете и жените посещавали отделно часове по изкуства, където поради времето жените имали късмета да могат изобщо да получат художествено образование.

Лятно училище по изкуства c.1900

Студентите по изкуства в летните класове на училището за изящни изкуства „Сейнт Пол“, Мендота, Минесота, са снимани през 1900 г. с учителя Бърт Харууд.
Настрана модата, големите слънчеви шапки са много практични за рисуване на открито тъй като предпазва слънцето от очите ви и спира лицето ви да изгаря (както го прави горната част с дълъг ръкав).

„Корабът на Нелсън в бутилка“ - Yinka Shonibar

Понякога мащабът на произведението на изкуството му дава драматично въздействие, далеч повече от темата. „Корабът на Нелсън в бутилка“ от Инка Шонибар е такова парче.

„Корабът на Нелсън в бутилка“ от Инка Шонибар е кораб с височина 2,35 метра в още по-висока бутилка. Това е реплика в мащаб 1:29 на флагмана на вицеадмирал Нелсън, HMS Победа.
„Корабът на Нелсън в бутилка“ се появи на Четвъртия цокъл на Трафалгар Скуеър в Лондон на 24 май 2010 г. Четвъртият цокъл стоеше празен от 1841 до 1999 г., когато първият от продължаващата поредица съвременни произведения на изкуството, поръчани специално за цокъла от Четвърта група за въвеждане в експлоатация.
Произведението преди „Корабът на Нелсън в бутилка“ беше One & Other от Antony Gormley, в което различен човек стоеше на цокъла в продължение на час, денонощно, в продължение на 100 дни.
От 2005 до 2007 г. можете да видите скулптура на Марк Куин, Алисън Лапер Бременни, а от ноември 2007 г. е Модел за хотел 2007 от Томас Шут.
Дизайнът на батик върху платната на „Корабът на Нелсън в бутилка“ е отпечатан от художника на ръка върху платно, вдъхновен от плат от Африка и неговата история. Бутилката е с размери 5x2,8 метра, направена е от перспекс, а не от стъкло, а отворът на бутилката е достатъчно голям, за да се качи вътре, за да построи кораба.