Част от радостта от рисуването през 21 век е широката гама от налични форми на изразяване. В края на 19 и 20 век художниците правят огромни скокове в стилите на рисуване. Много от тези новости са повлияни от технологичния напредък, като изобретяването на тръбата за метална боя и еволюцията на фотография, както и промени в социалните конвенции, политиката и философията, заедно със световните събития.
Този списък очертава седем основни стила на изкуството (понякога наричани "училища" или "движения"), някои много по-реалистични от други. Въпреки че няма да сте част от оригиналното движение - групата на артистите, които като цяло споделят същото стил и идеи за рисуване през определен период от историята - все още можете да рисувате в стиловете, които са използвали. Научавайки за тези стилове и виждайки какво създават художниците, работещи в тях, и след това сами да експериментирате с различни подходи, можете да започнете да развивате и подхранвате свой собствен стил.
Реализмът, в който темата на картината прилича повече на истинското, а не да бъде стилизирана или абстрахирана, е стилът, който много хора мислят като „истинско изкуство“. Само когато се изследват отблизо, онези, които изглеждат плътни цветове, се разкриват като серия от щрихи с много цветове и стойности.
Реализмът е доминиращият стил на рисуване от времето Ренесанс. Художникът използва перспектива, за да създаде илюзия за пространство и дълбочина, задавайки композицията и осветлението така, че обектът да изглежда истински. Леонардо да Винчи "Мона Лиза"е класически пример за стила.
Стилът Painterly се появи като Индустриална революция помете Европа през първата половина на 19 век. Освободени от изобретението на металната тръба за боя, която позволи на художниците да стъпят извън ателието, художниците започнаха да се фокусират върху самата живопис. Обектите бяха рендирани реалистично, но художниците не положиха никакви усилия да скрият техническата си работа.
Както подсказва името му, акцентът е върху акта на рисуването: характера на четката и самите пигменти. Художници, работещи в този стил, не се опитват да скрият това, което е използвано за създаването на картината, като изглаждат текстурата или следите, оставени в боята, с четка или друг инструмент, като например нож за палитра. Картините на Анри Матис са отлични примери за този стил.
Импресионизмът се появява през 1880-те в Европа, където художници като Клод Моне се стремят да уловят светлина не чрез детайлите на реализма, а с жест и илюзия. Не е нужно да се приближавате твърде много до водни лилии на Моне или слънчогледите на Винсент Ван Гог, за да видите смелите цветови щрихи, но няма съмнение какво търсите.
Обектите запазват реалистичния си вид, но все пак имат жизненост, която е уникална за този стил. Трудно е да се повярва, че когато импресионистите за пръв път показваха своите произведения, повечето критици го мразеха и осмиваха. Това, което тогава се смяташе за незавършен и груб стил на рисуване, сега е обичано и почитано.
експресионизъм и Fauvism са подобни стилове, които започват да се появяват в студиа и галерии в началото на XX век. И двете се характеризират с използването на смели, нереалистични цветове, избрани да не изобразяват живота такъв, какъвто е, а по-скоро, както се чувства или изглежда на художника.
Двата стила се различават по някакъв начин. Експресионистите, включително Едвард Мунк, се стремяха да предадат гротеската и ужаса в ежедневието, често с хипер-стилизирана четка и ужасяващи образи, каквито той имаше с голям ефект в своето живопис "Писъкът."
Фавистите, въпреки романната си употреба на цвят, се стремяха да създадат композиции, изобразяващи живота в идеализиран или екзотичен характер. Помислете за веселите танцьори на Анри Матис или пасторалните сцени на Джордж Брак.
Тъй като първите десетилетия на 20 век се разгръщаха в Европа и Америка, рисуването става не толкова реалистично. Абстракцията е свързана с рисуването на същността на даден предмет, както художникът го интерпретира, а не от видимите детайли. Художникът може да намали обекта до доминиращите му цветове, форми или шарки, като Пабло Пикасо направи с известния си стенопис от трима музиканти. Изпълнителите, всички остри линии и ъгли, не изглеждат никак малко истински, но няма съмнение кои са те.
Или художник може да премахне темата от контекста си или да увеличи мащаба си, както Джорджия О'Киф направи в своята работа. Нейните цветя и черупки, лишени от фините им детайли и плаващи на абстрактни фонове, могат да приличат на замечтани пейзажи.
Чисто абстрактна работа, подобно на голяма част от абстрактното експресионистично движение през 50-те години, активно се отклонява от реализма, увличайки се в прегръдката на субективното. Предметът или точката на картината са използваните цветове текстури в произведението на изкуството и материалите, използвани за създаването му.
Капните картини на Джексън Поллок може да изглеждат като гигантска каша за някои, но няма отричане че стенописите като "Номер 1 (Lavender Mist)" имат динамично, кинетично качество, което държи на вашето интерес. Други абстрактни художници, като Марк Ротко, сами опростиха темата си с цветове. Работите с цветно поле като неговата майсторска работа „Оранжево, червено и жълто“ от 1961 г. са точно това: три блока пигмент, в които можете да се загубите.
Фотореализмът се развива в края на 60-те и 70-те години в реакция на абстрактния експресионизъм, който доминира в изкуството от 40-те години. Този стил често изглежда по-реален от реалността, където не се пропуска нито един детайл и няма недостатък.
Някои художници копират снимки, като ги проектират върху платно, за да заснемат точно детайлите. Други го правят безплатно или използват мрежова система за уголемяване на печат или снимка. Един от най-известните фотореалистични художници е Чък Близки, чиито стенописи с глава на колеги художници и известни личности са базирани на снимки.